ภาพ: ได้รับความอนุเคราะห์จากพิพิธภัณฑ์ Naturhistorisches

ประติมากรรมแห่งประวัติศาสตร์ศิลปะของคุณ ตุ๊กตาจิ๋วที่มีความสูงเพียงสี่นิ้วนี้ถูกค้นพบในออสเตรียในปี 1908 ไม่มีใครรู้ว่ามันทำหน้าที่อะไร แต่การคาดเดามีตั้งแต่เทพธิดาแห่งการเจริญพันธุ์ไปจนถึงเครื่องช่วยตัวเองนักวิชาการบางคนแนะนำว่านี่อาจเป็นภาพเหมือนตนเองที่ผู้หญิงสร้างขึ้นเป็นวัตถุที่มีชื่อเสียงที่สุดในบรรดาวัตถุดังกล่าวที่มีอายุตั้งแต่ยุคหินเก่า

ภาพ: มารยาท CC/Wiki Media/Philip Pikart

ภาพบุคคลนี้เป็นสัญลักษณ์ของความงามของผู้หญิงนับตั้งแต่ถูกค้นพบครั้งแรกในปี 1912 ภายในซากปรักหักพังของ Amarna เมืองหลวงที่สร้างขึ้นโดยฟาโรห์ที่มีการถกเถียงกันมากที่สุดในประวัติศาสตร์อียิปต์โบราณ: Akhenatenชีวิตของราชินีเนเฟอร์ติติเป็นเรื่องลึกลับ เชื่อกันว่าเธอปกครองในฐานะฟาโรห์ชั่วระยะเวลาหนึ่งหลังจากการสิ้นพระชนม์ของอาเคนาเทน หรือมีแนวโน้มมากกว่านั้นในฐานะผู้สำเร็จราชการแทนพระองค์ร่วมของกษัตริย์ตุตันคามุนนักอียิปต์วิทยาบางคนเชื่อว่าแท้จริงแล้วเธอเป็นแม่ของทุตรูปปั้นครึ่งตัวที่เคลือบด้วยปูนปั้นนี้เชื่อกันว่าเป็นงานฝีมือของ Thutmose ประติมากรในราชสำนักของ Akhenaten

ภาพ: มารยาท CC/Wikimedia Commons/Maros M raz

กองทัพดินเผาถูกค้นพบในปี 1974 เป็นขุมทรัพย์รูปปั้นดินเผาขนาดมหึมา ฝังอยู่ในหลุมขนาดใหญ่สามหลุมใกล้กับหลุมศพของ Shi Huang จักรพรรดิองค์แรกของจีน ซึ่งสิ้นพระชนม์ใน 210 ปีก่อนคริสตกาลมีจุดมุ่งหมายเพื่อปกป้องเขาในชีวิตหลังความตาย เชื่อกันว่ากองทัพบกมีทหารมากกว่า 8,000 นาย พร้อมด้วยม้า 670 ตัว และรถม้าศึก 130 คันแต่ละชิ้นมีขนาดเท่าของจริง แต่ส่วนสูงที่แท้จริงจะแตกต่างกันไปตามยศทหาร

ภาพ: มารยาท CC/Wiki Media/LivioAndronico

บางทีประติมากรรมที่มีชื่อเสียงที่สุดในสมัยโบราณของโรมันลาวคูนและโอรสของพระองค์เดิมถูกขุดพบในกรุงโรมในปี 1506 และย้ายไปที่นครวาติกันซึ่งอาศัยอยู่จนถึงทุกวันนี้มีพื้นฐานมาจากตำนานของนักบวชชาวเมืองโทรจันที่ถูกงูทะเลส่งมาพร้อมกับลูกชายของเขา โพไซดอนเทพแห่งท้องทะเลส่งมา เพื่อเป็นการแก้แค้นที่Laocoönพยายามเปิดเผยอุบายของม้าโทรจันการจัดกลุ่มเป็นรูปเป็นร่างขนาดเท่าคนจริงนี้สร้างขึ้นในพระราชวังของจักรพรรดิติตัส เดิมทีเป็นผลงานของช่างแกะสลักชาวกรีกสามคนจากเกาะโรดส์ ซึ่งไม่มีใครเทียบได้ในฐานะการศึกษาเรื่องความทุกข์ทรมานของมนุษย์

ภาพ: มารยาท CC/Wikimedia/Livioandronico2013

ผลงานที่โดดเด่นที่สุดชิ้นหนึ่งในประวัติศาสตร์ศิลปะทั้งหมด ผลงานของเดวิดมีเกลันเจโลมีต้นกำเนิดในโครงการขนาดใหญ่เพื่อตกแต่งส่วนยันของมหาวิหารดูโอโมที่ยิ่งใหญ่ของฟลอเรนซ์ พร้อมด้วยกลุ่มบุคคลสำคัญที่นำมาจากพันธสัญญาเดิมที่เดวิดเป็นหนึ่งเดียว และจริงๆ แล้วเริ่มต้นในปี 1464 โดย Agostino di Duccioในอีกสองปีข้างหน้า Agostino สามารถจัดการส่วนหนึ่งของหินอ่อนขนาดใหญ่ที่สกัดจากเหมืองหินที่มีชื่อเสียงใน Carrara ก่อนที่จะหยุดในปี 1466 (ไม่มีใครรู้ว่าทำไม) ศิลปินอีกคนก็หยิบหย่อนหย่อน แต่เขาก็เช่นกันเท่านั้น ทำงานกับมันในช่วงสั้น ๆหินอ่อนยังคงไม่มีใครแตะต้องเลยเป็นเวลา 25 ปี จนกระทั่งมีเกลันเจโลกลับมาแกะสลักอีกครั้งในปี 1501 ตอนนั้นเขาอายุ 26 ปีเมื่อสร้างเสร็จแล้ว เดวิดมีน้ำหนักหกตัน ซึ่งหมายความว่าไม่สามารถยกขึ้นบนหลังคาอาสนวิหารได้แต่กลับถูกจัดแสดงไว้ด้านนอกทางเข้า Palazzo Vecchio ซึ่งเป็นศาลากลางเมืองฟลอเรนซ์รูปปั้นนี้ซึ่งเป็นหนึ่งในการกลั่นกรองสไตล์เรอเนซองส์ขั้นสูงที่บริสุทธิ์ที่สุด ได้รับการยอมรับจากสาธารณชนชาวฟลอเรนซ์ทันทีว่าเป็นสัญลักษณ์ของการต่อต้านของนครรัฐต่ออำนาจที่เรียงรายต่อต้านมันในปีพ.ศ. 2416 (ค.ศ. 1873)เดวิดถูกย้ายไปที่ Accademia Gallery และติดตั้งแบบจำลองไว้ที่ตำแหน่งเดิม

ภาพ: มารยาท CC/Wiki Media/Alvesgaspar

จาน ลอเรนโซ แบร์นีนีได้รับการยอมรับว่าเป็นผู้ริเริ่มสไตล์ไฮโรมันบาโรก และสร้างสรรค์ผลงานชิ้นเอกชิ้นนี้สำหรับห้องสวดมนต์ในโบสถ์ซานตามาเรีย เดลลา วิตโตเรียสไตล์บาโรกมีความเชื่อมโยงกับการต่อต้านการปฏิรูปอย่างแยกไม่ออก ซึ่งคริสตจักรคาทอลิกพยายามหยุดยั้งกระแสนิกายโปรเตสแตนต์ที่แพร่กระจายไปทั่วยุโรปในศตวรรษที่ 17งานศิลปะเช่นของ Bernini เป็นส่วนหนึ่งของโครงการเพื่อยืนยันความเชื่อของสมเด็จพระสันตะปาปา ซึ่งมีอัจฉริยะของ Bernini ทำหน้าที่อย่างดีในการตกแต่งฉากทางศาสนาด้วยเรื่องเล่าที่น่าทึ่งความปีติยินดีเป็นกรณีตัวอย่าง: หัวข้อ—นักบุญเทเรซาแห่งอาบีลา แม่ชีชาวคาร์เมไลท์และผู้ลึกลับชาวสเปนที่เขียนถึงการเผชิญหน้าของเธอกับทูตสวรรค์—บรรยายเป็นภาพขณะที่ทูตสวรรค์กำลังจะปักลูกธนูเข้าไปในหัวใจของเธอความปีติยินดีเสียงหวือหวาที่เร้าอารมณ์ของเป็นสิ่งที่ไม่ผิดเพี้ยน เห็นได้ชัดเจนที่สุดในการแสดงออกถึงจุดสุดยอดของแม่ชีและผ้าบิดเบี้ยวที่พันร่างทั้งสองไว้ในฐานะสถาปนิกในฐานะศิลปิน เบอร์นีนียังได้ออกแบบฉากของโบสถ์ด้วยหินอ่อน ปูนปั้น และสี

ภาพ: เอื้อเฟื้อโดยพิพิธภัณฑ์ศิลปะเมโทรโพลิตัน/กองทุนเฟลทเชอร์

ศิลปินชาวอิตาลี อันโตนิโอ คาโนวา (ค.ศ. 1757–1822) ถือเป็นประติมากรที่ยิ่งใหญ่ที่สุดแห่งศตวรรษที่ 18ผลงานของเขาเป็นตัวอย่างที่ชัดเจนของสไตล์นีโอคลาสสิก ดังที่คุณเห็นในการตีความของเขาด้วยหินอ่อนของ Perseus วีรบุรุษในตำนานชาวกรีกจริงๆ แล้ว Canova สร้างผลงานชิ้นนี้ขึ้นมาสองเวอร์ชัน โดยชิ้นหนึ่งอยู่ที่วาติกันในกรุงโรม ในขณะที่อีกชิ้นตั้งอยู่ที่ศาลประติมากรรมยุโรปของพิพิธภัณฑ์ศิลปะเมโทรโพลิแทน

รูปถ่าย: พิพิธภัณฑ์ศิลปะเมโทรโพลิตัน

แม้ว่าเอ็ดการ์ เดอกาส์ ปรมาจารย์ด้านอิมเพรสชั่นนิสต์จะเป็นที่รู้จักดีที่สุดในฐานะจิตรกร แต่เขาก็ยังทำงานด้านประติมากรรมด้วย โดยผลิตผลงานที่เรียกได้ว่าเป็นความพยายามที่รุนแรงที่สุดของผลงานของเขาเดอกาส์แฟชั่นนักเต้นตัวน้อยอายุสิบสี่ปี(ซึ่งต่อมาได้มีการหล่อสำเนาสำริดภายหลังการเสียชีวิตของเขาในปี พ.ศ. 2460) แต่ความจริงที่ว่าเดกาส์สวมชุดบัลเล่ต์ที่มีชื่อเดียวกัน (พร้อมด้วยเสื้อท่อนบน กระโปรงตู และรองเท้าแตะ) และวิกผมที่ทำจากผมจริงทำให้เกิดความรู้สึกเมื่อนักเต้นเปิดตัวครั้งแรกที่นิทรรศการอิมเพรสชั่นนิสต์ครั้งที่ 6 เมื่อปี พ.ศ. 2424 ที่กรุงปารีสเดอกาส์เลือกที่จะปกปิดการตกแต่งส่วนใหญ่ของเขาด้วยขี้ผึ้งเพื่อให้เข้ากับส่วนอื่นๆ ของเด็กผู้หญิง แต่เขาเก็บชุดตูตูไว้ตลอดจนมีริบบิ้นผูกไว้ด้านหลังผมของเธอ ทำให้ร่างนี้เป็นหนึ่งในตัวอย่างแรกๆ ของวัตถุที่พบ ศิลปะ.นักเต้นเป็นประติมากรรมชิ้นเดียวที่เดกาส์จัดแสดงในช่วงชีวิตของเขาหลังจากการตายของเขา พบตัวอย่างอีกประมาณ 156 ตัวอย่างที่อิดโรยในสตูดิโอของเขา

ภาพ: พิพิธภัณฑ์ศิลปะฟิลาเดลเฟีย

ในขณะที่คนส่วนใหญ่เชื่อมโยงประติมากรชาวฝรั่งเศสผู้ยิ่งใหญ่ Auguste Rodin ด้วยนักคิดวงดนตรีชุดนี้เพื่อรำลึกถึงเหตุการณ์ระหว่างสงครามร้อยปี (ค.ศ. 1337–1453) ระหว่างอังกฤษและฝรั่งเศสมีความสำคัญต่อประวัติศาสตร์ของประติมากรรมมากกว่าได้รับมอบหมายให้สร้างสวนสาธารณะในเมืองกาเลส์ (ซึ่งการปิดล้อมโดยชาวอังกฤษเป็นเวลานานในปี ค.ศ. 1346 ถูกยกขึ้นเมื่อผู้เฒ่าในเมืองหกคนเสนอตัวเพื่อประหารชีวิตเพื่อแลกกับการไว้ชีวิตประชากร)เดอะเบอร์เกอร์หลีกเลี่ยงรูปแบบตามแบบฉบับของอนุสาวรีย์ในสมัยนั้น: แทนที่จะนำรูปปั้นที่แยกออกมาหรือซ้อนกันเป็นปิรามิดบนแท่นสูง โรแดงกลับรวบรวมวัตถุขนาดเท่าจริงลงบนพื้นโดยตรงโดยให้อยู่ในระดับเดียวกับผู้ชมการเคลื่อนไหวที่รุนแรงไปสู่ความสมจริงนี้ขัดกับการปฏิบัติอย่างกล้าหาญซึ่งมักสอดคล้องกับงานกลางแจ้งดังกล่าวกับเดอะเบอร์เกอร์Rodin ก้าวแรกสู่ประติมากรรมสมัยใหม่

ภาพ: ได้รับความอนุเคราะห์จาก CC/Flickr/Wally Gobetz

ในปีพ.ศ. 2455 ปิกัสโซได้สร้างงานกระดาษแข็งชิ้นหนึ่งที่อาจมีผลกระทบต่องานศิลปะในศตวรรษที่ 20 ในขนาดใหญ่นอกจากนี้ในคอลเลกชันของ MoMA ยังมีภาพกีตาร์ ซึ่งเป็นหัวข้อที่ปิกัสโซมักสำรวจด้วยการวาดภาพและภาพต่อกัน และในหลาย ๆ ด้านกีตาร์ถ่ายโอนเทคนิคการตัดและวางของภาพตัดปะจากสองมิติเป็นสามมิติมันก็ทำเช่นเดียวกันกับลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยมเช่นกัน โดยการประกอบรูปทรงแบนเพื่อสร้างรูปทรงที่มีหลายแง่มุมที่มีทั้งความลึกและปริมาตรนวัตกรรมของ Picasso คือการละทิ้งการแกะสลักและการสร้างแบบจำลองแบบดั้งเดิมของประติมากรรมออกจากมวลที่มั่นคงแทน,กีตาร์ถูกยึดติดกันเหมือนโครงสร้างแนวคิดนี้จะสะท้อนจากแนวคิดคอนสตรัคติวิสต์ของรัสเซียไปจนถึงลัทธิมินิมัลลิสต์และอื่นๆ อีกมากมายสองปีหลังจากทำกีตาร์Picasso สร้างเวอร์ชันนี้ขึ้นมาจากกระป๋องดีบุกโดยใช้กระดาษแข็ง

รูปถ่าย: พิพิธภัณฑ์ศิลปะเมโทรโพลิตัน

จากจุดเริ่มต้นที่ต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิงจนถึงการจุติเป็นชาติฟาสซิสต์ครั้งสุดท้าย ลัทธิอนาคตนิยมของอิตาลีสร้างความตื่นตระหนกให้กับโลก แต่ไม่มีงานใดที่เป็นตัวอย่างความเพ้อฝันที่แท้จริงของการเคลื่อนไหวได้มากไปกว่าประติมากรรมชิ้นนี้จากหนึ่งในแสงชั้นนำ: Umberto BoccioniBoccioni เริ่มต้นจากการเป็นจิตรกร โดยหันมาทำงานสามมิติหลังจากเดินทางไปปารีสในปี 1913 โดยเขาได้เยี่ยมชมสตูดิโอของประติมากรแนวหน้าหลายคนในยุคนั้น เช่น Constantin Brancusi, Raymond Duchamp-Villon และ Alexander ArchipenkoBoccioni สังเคราะห์ความคิดของพวกเขาให้เป็นผลงานชิ้นเอกที่มีชีวิตชีวานี้ ซึ่งแสดงให้เห็นรูปร่างที่ก้าวย่างซึ่งมี "ความต่อเนื่องที่สังเคราะห์" ของการเคลื่อนไหวตามที่ Boccioni อธิบายไว้เดิมทีผลงานชิ้นนี้สร้างขึ้นด้วยปูนปลาสเตอร์และไม่ได้หล่อในรูปแบบทองแดงที่คุ้นเคยจนกระทั่งปี 1931 หลังจากที่ศิลปินเสียชีวิตในปี 1916 ในฐานะสมาชิกกองทหารปืนใหญ่ของอิตาลีในช่วงสงครามโลกครั้งที่ 1

ภาพ: มารยาท CC/Flickr/Steve Guttman NYC

Brancusi เกิดในโรมาเนีย เป็นหนึ่งในช่างแกะสลักที่สำคัญที่สุดของลัทธิสมัยใหม่ในช่วงต้นศตวรรษที่ 20 และเป็นหนึ่งในบุคคลที่สำคัญที่สุดในประวัติศาสตร์ของประติมากรรมทั้งหมดBrancusi เป็นคนที่มีความเรียบง่ายแต่แรกเริ่มใช้รูปแบบจากธรรมชาติและปรับปรุงให้กลายเป็นการนำเสนอเชิงนามธรรมสไตล์ของเขาได้รับอิทธิพลจากศิลปะพื้นบ้านในบ้านเกิดของเขา ซึ่งมักมีลวดลายเรขาคณิตที่มีชีวิตชีวาและลวดลายเก๋ๆนอกจากนี้ เขายังไม่ได้แยกความแตกต่างระหว่างวัตถุและฐาน โดยถือว่าในบางกรณีเป็นองค์ประกอบที่ใช้แทนกันได้ ซึ่งเป็นแนวทางที่แสดงถึงการแตกหักครั้งสำคัญกับประเพณีประติมากรรมผลงานอันโดดเด่นชิ้นนี้เป็นภาพเหมือนของ Margit Pogány นางแบบและคู่รักของเขา ซึ่งเป็นนักศึกษาศิลปะชาวฮังการีที่เขาพบในปารีสเมื่อปี 1910 การทำซ้ำครั้งแรกแกะสลักด้วยหินอ่อน ตามด้วยสำเนาปูนปลาสเตอร์ที่ใช้ทำทองสัมฤทธิ์นี้ตัวปูนปลาสเตอร์นั้นถูกจัดแสดงในนิวยอร์กในงาน Armory Show ในตำนานปี 1913 ซึ่งนักวิจารณ์ล้อเลียนและปล้นสะดมแต่มันก็เป็นผลงานที่มีการทำซ้ำมากที่สุดในการแสดงด้วยBrancusi ทำงานในเวอร์ชันต่างๆมอลเล่ โพกานีเป็นเวลาประมาณ 20 ปี

ภาพ: ได้รับความอนุเคราะห์จากพิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่

ล้อจักรยานถือเป็นผลิตภัณฑ์สำเร็จรูปชิ้นแรกที่ปฏิวัติวงการของ Duchampอย่างไรก็ตาม เมื่อเขาทำงานชิ้นนี้เสร็จในสตูดิโอในปารีส เขาไม่รู้ว่าจะเรียกมันว่าอะไร“ฉันมีความคิดที่มีความสุขที่จะติดล้อจักรยานเข้ากับเก้าอี้ในครัวแล้วดูมันหมุน” Duchamp กล่าวในภายหลังต้องเดินทางไปนิวยอร์คในปี 1915 และได้สัมผัสกับผลผลิตจากโรงงานจำนวนมหาศาลของเมือง เพื่อให้ Duchamp คิดคำสำเร็จรูปขึ้นมาที่สำคัญกว่านั้นคือเขาเริ่มเห็นว่าการสร้างงานศิลปะในรูปแบบงานฝีมือแบบดั้งเดิมนั้นดูไร้จุดหมายในยุคอุตสาหกรรมเขาตั้งข้อสังเกตว่าทำไมต้องกังวลในเมื่อสินค้าที่ผลิตขึ้นอย่างแพร่หลายสามารถทำงานได้สำหรับ Duchamp แนวคิดเบื้องหลังงานศิลปะมีความสำคัญมากกว่าวิธีการสร้างมันขึ้นมาแนวคิดนี้ซึ่งอาจเป็นตัวอย่างแรกของ Conceptual Art ที่แท้จริง จะเปลี่ยนแปลงประวัติศาสตร์ศิลปะอย่างสิ้นเชิงในอนาคตเหมือนกับของใช้ในครัวเรือนทั่วไป แต่เป็นของดั้งเดิมล้อจักรยานไม่รอด: เวอร์ชันนี้เป็นแบบจำลองจริงตั้งแต่ปี 1951

ภาพถ่าย: พิพิธภัณฑ์ศิลปะอเมริกัน Whitney, © 2019 Calder Foundation, New York/Artists Rights Society (ARS), New York

คอลเลคชันถาวรอันเป็นที่รักของพิพิธภัณฑ์วิทนีย์ละครสัตว์ของคาลเดอร์กลั่นกรองแก่นแท้แห่งความสนุกสนานที่อเล็กซานเดอร์ คาลเดอร์ (พ.ศ. 2441-2519) นำมาใช้ในฐานะศิลปินที่ช่วยกำหนดรูปแบบประติมากรรมแห่งที่ 20ละครสัตว์ซึ่งถูกสร้างขึ้นในช่วงเวลาที่ศิลปินอยู่ในปารีส มีลักษณะที่เป็นนามธรรมน้อยกว่า "โทรศัพท์มือถือ" ที่แขวนอยู่ แต่ในทางของตัวเอง มันก็เหมือนกับจลน์ศาสตร์: สร้างขึ้นจากลวดและไม้เป็นหลักละครสัตว์ทำหน้าที่เป็นศูนย์กลางของการแสดงด้นสด โดยคาลเดอร์เดินไปรอบๆ บุคคลต่างๆ ที่แสดงภาพนักดัดตน นักกลืนดาบ ผู้ฝึกสิงโต ฯลฯ เหมือนกับปรมาจารย์ที่เหมือนเทพเจ้า

ภาพ: เอื้อเฟื้อโดยพิพิธภัณฑ์ J. Paul Getty

ในฐานะจิตรกร นักออกแบบพรมและประติมากร ศิลปินชาวฝรั่งเศส Aristide Maillol (พ.ศ. 2404-2487) สามารถอธิบายได้ดีที่สุดว่าเป็นนักนีโอคลาสสิกสมัยใหม่ที่นำเอาความคล่องตัวของศตวรรษที่ 20 มาใช้กับรูปปั้นกรีก-โรมันแบบดั้งเดิมเขายังสามารถอธิบายได้ว่าเป็นพวกอนุรักษ์นิยมหัวรุนแรง แม้ว่าควรจะจำไว้ว่าแม้แต่ศิลปินร่วมสมัยแนวหน้าอย่างปิกัสโซก็ผลิตผลงานที่ดัดแปลงจากสไตล์นีโอคลาสสิกหลังสงครามโลกครั้งที่ 1 หัวข้อของเมโยลคือภาพเปลือยของผู้หญิง และในแอร์เขาสร้างความแตกต่างระหว่างมวลวัตถุของวัตถุของเขากับวิธีที่เธอดูเหมือนลอยอยู่ในอวกาศ—สมดุลทางกายภาพที่แข็งทื่อกับการปรากฏตัวที่หายไป

ภาพ: ได้รับความอนุเคราะห์จาก CC/Flickr/C-Monster

คุซามะ ศิลปินชาวญี่ปุ่นที่ทำงานในสื่อหลายประเภท เดินทางมายังนิวยอร์กในปี พ.ศ. 2500 และกลับมาที่ญี่ปุ่นในปี พ.ศ. 2515 ในระหว่างนี้ เธอได้สถาปนาตัวเองเป็นบุคคลสำคัญในย่านใจกลางเมือง ผู้ซึ่งงานศิลปะได้เข้าถึงฐานรากต่างๆ มากมาย รวมถึงศิลปะป๊อปอาร์ต ศิลปะแนวมินิมัลลิสต์ และศิลปะการแสดงในฐานะศิลปินหญิงที่มักกล่าวถึงเรื่องเพศหญิง เธอยังเป็นผู้นำของศิลปะสตรีนิยมอีกด้วยงานของ Kusama มักมีลักษณะเฉพาะด้วยรูปแบบที่ทำให้เกิดอาการประสาทหลอนและการทำซ้ำของรูปแบบ ความโน้มเอียงที่มีรากฐานมาจากสภาวะทางจิตใจบางอย่าง เช่น ภาพหลอน หรือ OCD เธอต้องทนทุกข์ทรมานมาตั้งแต่เด็กผลงานศิลปะและชีวิตของ Kusuma ทุกแง่มุมเหล่านี้สะท้อนให้เห็นในผลงานชิ้นนี้ โดยที่เก้าอี้นั่งสบายหุ้มเบาะธรรมดาๆ จะถูกย่อยอย่างน่าวิตกโดยอาการคล้ายโรคระบาดของลึงค์ที่ยื่นออกมาซึ่งทำจากผ้ายัดไส้ที่เย็บ

ภาพถ่าย: พิพิธภัณฑ์ศิลปะอเมริกัน Whitney, นิวยอร์ก, © 2019 Estate of Marisol/ หอศิลป์ Albright-Knox/Artists Rights Society (ARS), นิวยอร์ก

Marisol Escobar (1930–2016) เป็นที่รู้จักง่ายๆ ด้วยชื่อแรกของเธอ เกิดที่ปารีสกับพ่อแม่ชาวเวเนซุเอลาในฐานะศิลปิน เธอมีความเกี่ยวข้องกับป๊อปอาร์ตและต่อมาคือ Op Art แม้ว่าในทางโวหารแล้ว เธอไม่ได้อยู่ในกลุ่มใดกลุ่มหนึ่งก็ตามแต่เธอกลับสร้างฉากที่เป็นรูปเป็นร่างซึ่งหมายถึงการเสียดสีสตรีนิยมเกี่ยวกับบทบาททางเพศ ผู้มีชื่อเสียง และความมั่งคั่งในผู้หญิงและสุนัขเธอรับเอาการคัดค้านผู้หญิง และวิธีการใช้มาตรฐานความเป็นผู้หญิงที่ผู้ชายกำหนดมาเพื่อบังคับให้ผู้หญิงปฏิบัติตาม

ภาพ: ได้รับความอนุเคราะห์จาก CC/Flickr/Rocor

Brillo Box อาจเป็นที่รู้จักดีที่สุดจากชุดผลงานประติมากรรมที่ Warhol สร้างขึ้นในช่วงกลางทศวรรษที่ 1960 ซึ่งนำการสำรวจวัฒนธรรมป๊อปของเขาออกเป็นสามมิติอย่างมีประสิทธิภาพตามชื่อที่วอร์ฮอลตั้งให้กับสตูดิโอของเขา นั่นคือโรงงาน ศิลปินได้จ้างช่างไม้ให้ทำงานสายการประกอบ โดยตอกกล่องไม้ที่มีรูปร่างเป็นกล่องสำหรับผลิตภัณฑ์ต่างๆ รวมถึง Heinz Ketchup, Kellogg's Corn Flakes และ Campbell's Soup แผ่นสบู่ Brilloจากนั้นเขาก็ทาสีแต่ละกล่องด้วยสีที่ตรงกับต้นฉบับ (สีขาวในกรณีของ Brillo) ก่อนที่จะเพิ่มชื่อผลิตภัณฑ์และโลโก้ลงในซิลค์สกรีนกล่องเหล่านี้สร้างขึ้นเป็นทวีคูณ โดยมักจะจัดแสดงเป็นกองขนาดใหญ่ ทำให้แกลเลอรีต่างๆ ที่อยู่ในนั้นกลายเป็นโกดังที่มีวัฒนธรรมชั้นสูงได้อย่างมีประสิทธิภาพรูปร่างและการผลิตต่อเนื่องของพวกเขาอาจเป็นการพยักหน้าหรือล้อเลียนสไตล์มินิมอลลิสต์ที่เพิ่งเกิดขึ้นในขณะนั้นแต่จุดแท้จริงของกล่องบริลโลคือการที่การประมาณอย่างใกล้ชิดกับของจริงนั้นล้มล้างแบบแผนทางศิลปะ โดยบอกเป็นนัยว่าไม่มีความแตกต่างที่แท้จริงระหว่างสินค้าที่ผลิตและผลงานจากสตูดิโอของศิลปิน

ภาพ: มารยาท CC/Flickr/Esther Westerveld

ชื่อของ Donald Judd มีความหมายเหมือนกันกับ Minimal Art ซึ่งเป็นการเคลื่อนไหวในช่วงกลางทศวรรษ 1960 ที่กลั่นกรองแนวคิดแบบเหตุผลนิยมของลัทธิสมัยใหม่ให้เหลือแต่สิ่งสำคัญสำหรับจัดด์ ประติมากรรมหมายถึงการแสดงตัวตนที่เป็นรูปธรรมของงานในอวกาศแนวคิดนี้อธิบายได้ด้วยคำว่า “วัตถุเฉพาะ” และในขณะที่ชาวมินิมอลลิสต์คนอื่นๆ ยอมรับแนวคิดนี้ จัดด์ก็ให้แนวคิดนี้แสดงออกอย่างบริสุทธิ์ใจที่สุดโดยการใช้กล่องเป็นรูปแบบลายเซ็นของเขาเช่นเดียวกับวอร์ฮอล เขาสร้างพวกมันขึ้นมาเป็นหน่วยการทำซ้ำ โดยใช้วัสดุและวิธีการที่ยืมมาจากการผลิตทางอุตสาหกรรมต่างจากกระป๋องซุปของ Warhol และ Marilyns งานศิลปะของ Judd ไม่ได้กล่าวถึงสิ่งใดนอกตัวมันเอง“กอง” ของเขาเป็นหนึ่งในผลงานที่รู้จักกันดีที่สุดของเขาแต่ละกล่องประกอบด้วยกลุ่มกล่องตื้นเหมือนกันซึ่งทำจากแผ่นโลหะชุบสังกะสี โดยยื่นออกมาจากผนังเพื่อสร้างเสาที่มีองค์ประกอบที่มีระยะห่างเท่ากันแต่จัดด์ซึ่งเริ่มต้นจากการเป็นจิตรกร สนใจสีและพื้นผิวพอๆ กับรูปร่าง ดังที่เห็นในภาพนี้ด้วยการลงแล็กเกอร์ตัวถังรถยนต์สีเขียวที่ด้านหน้าของแต่ละกล่องอิทธิพลของสีและวัสดุของ Judd ทำให้เกิดไม่มีชื่อ (สแต็ก)ความสง่างามอันพิถีพิถันที่ทำให้ลัทธิสมบูรณาญาสิทธิราชย์แบบนามธรรมอ่อนลง

ภาพ: ได้รับความอนุเคราะห์จาก CC/Flickr/Rocor

เช่นเดียวกับ Benglis เฮสส์เป็นศิลปินหญิงที่กรองลัทธิ Postminimalism ผ่านปริซึมที่เป็นเนื้อหาเกี่ยวกับสตรีนิยมชาวยิวที่หนีจากนาซีเยอรมนีตั้งแต่ยังเป็นเด็ก เธอสำรวจรูปแบบออร์แกนิก โดยสร้างชิ้นงานจากไฟเบอร์กลาสอุตสาหกรรม น้ำยาง และเชือกที่ทำให้เกิดผิวหนังหรือเนื้อ อวัยวะเพศ และส่วนอื่นๆ ของร่างกายเมื่อพิจารณาจากภูมิหลังของเธอแล้ว การค้นพบกระแสบาดแผลทางจิตใจหรือความวิตกกังวลในงานเช่นนี้จึงเป็นเรื่องที่น่าสนใจ

ภาพ: ได้รับความอนุเคราะห์จากพิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่

หลังจากจัดด์และฟลาวิน ศิลปินกลุ่มหนึ่งก็ละทิ้งสุนทรียภาพแห่งเส้นสายที่สะอาดตาของ Minimalismในฐานะส่วนหนึ่งของยุคหลังมินิมอลลิสต์ Richard Serra ได้วางแนวความคิดเกี่ยวกับวัตถุเฉพาะบนสเตียรอยด์ โดยขยายขนาดและน้ำหนักของมันให้ใหญ่ขึ้นอย่างมาก และทำให้กฎแรงโน้มถ่วงเป็นส่วนสำคัญของแนวคิดนี้เขาสร้างสมดุลที่ไม่มั่นคงด้วยเหล็กหรือแผ่นตะกั่วและท่อที่มีน้ำหนักเป็นตัน ซึ่งส่งผลต่อความรู้สึกคุกคามต่องาน(มีอยู่สองครั้งที่ช่างติดตั้งชิ้นส่วนของ Serra ถูกฆ่าหรือทำให้พิการเมื่องานพังโดยไม่ได้ตั้งใจ) ในช่วงไม่กี่ทศวรรษที่ผ่านมา งานของ Serra ได้นำการปรับแต่งเส้นโค้งมาใช้ซึ่งทำให้ได้รับความนิยมอย่างมาก แต่ในช่วงแรก ๆ งานจะเหมือนกับ One Ton Prop (บ้าน of Cards) ซึ่งมีแผ่นตะกั่วสี่แผ่นวางชิดกัน สื่อสารความกังวลของเขาด้วยความตรงไปตรงมาที่โหดร้าย

ภาพ: มารยาท CC/Wikimedia Commons/Soren.harward/Robert Smithson

ตามกระแสต่อต้านวัฒนธรรมโดยทั่วไปในช่วงทศวรรษ 1960 และ 1970 ศิลปินเริ่มก่อจลาจลต่อต้านการค้าขายในโลกแกลเลอรี โดยพัฒนารูปแบบศิลปะใหม่ๆ ที่รุนแรง เช่น กำแพงดินเป็นที่รู้จักในชื่อศิลปะบนบก บุคคลสำคัญในประเภทนี้คือ Robert Smithson (1938–1973) ผู้ซึ่งร่วมกับศิลปินอย่าง Michael Heizer, Walter De Maria และ James Turrel ได้ร่วมผจญภัยในทะเลทรายทางตะวันตกของสหรัฐอเมริกาเพื่อสร้างผลงานชิ้นสำคัญที่ ได้แสดงร่วมกับสิ่งรอบตัวแนวทางเฉพาะของสถานที่นี้ ดังที่เรียกกันว่า มักใช้วัสดุที่นำมาจากภูมิทัศน์โดยตรงกรณีของ Smithson ก็เป็นเช่นนั้นท่าเทียบเรือเกลียวซึ่งยื่นเข้าไปในทะเลสาบ Great Salt Lake ของยูทาห์จาก Rozel Point บนชายฝั่งตะวันออกเฉียงเหนือของทะเลสาบทำจากโคลน ผลึกเกลือ และหินบะซอลต์ที่สกัดในสถานที่มาตรการท่าเทียบเรือเกลียว1,500 x 15 ฟุต.มันถูกจมอยู่ใต้ทะเลสาบมานานหลายทศวรรษจนกระทั่งเกิดภัยแล้งในช่วงต้นทศวรรษ 2000 ทำให้ทะเลสาบกลับมาปรากฏอีกครั้งในปี 2560ท่าเทียบเรือเกลียวได้รับการขนานนามว่าเป็นงานศิลปะอย่างเป็นทางการของยูทาห์

ภาพ: มารยาท CC/Wikimedia Commons/FLICKR/Pierre Metivier

ผลงานอันเป็นเอกลักษณ์ของศิลปินที่เกิดในฝรั่งเศสแมงมุมถูกสร้างขึ้นในช่วงกลางทศวรรษ 1990 เมื่อชนชั้นกลาง (พ.ศ. 2454-2553) มีอายุแปดสิบแล้วมีอยู่ในหลายรุ่นที่มีขนาดต่างกัน รวมถึงบางรุ่นก็ดูยิ่งใหญ่ด้วยแมงมุมมีจุดมุ่งหมายเพื่อเป็นการแสดงความเคารพต่อมารดาของศิลปินซึ่งเป็นผู้ซ่อมแซมพรม (จึงเป็นการพาดพิงถึงนิสัยชอบปั่นใยของแมง)

ชัตเตอร์

Antony Gormley ผู้ได้รับรางวัล Turner Prize อันทรงเกียรติในปี 1994 เป็นหนึ่งในประติมากรร่วมสมัยที่โด่งดังที่สุดในสหราชอาณาจักร แต่เขายังเป็นที่รู้จักไปทั่วโลกจากการนำงานศิลปะที่เป็นรูปเป็นร่างมาใช้อย่างมีเอกลักษณ์ ซึ่งมีพื้นฐานมาจากขนาดและสไตล์ที่หลากหลาย โดยส่วนใหญ่แล้วจะใช้เทมเพลตเดียวกัน: การหล่อจากร่างกายของศิลปินเองนั่นเป็นเรื่องจริงสำหรับอนุสาวรีย์มีปีกขนาดมหึมาแห่งนี้ ซึ่งตั้งอยู่ใกล้เมืองเกตส์เฮดทางตะวันออกเฉียงเหนือของอังกฤษตั้งอยู่บนทางหลวงสายหลักนางฟ้าบินได้สูงถึง 66 ฟุต และกว้าง 177 ฟุตจากปลายปีกถึงปลายปีกตาม Gormley งานนี้มีจุดมุ่งหมายเพื่อเป็นเครื่องหมายสัญลักษณ์ระหว่างอดีตอุตสาหกรรมของสหราชอาณาจักร (ประติมากรรมตั้งอยู่ในประเทศถ่านหินของอังกฤษซึ่งเป็นหัวใจของการปฏิวัติอุตสาหกรรม) และอนาคตหลังอุตสาหกรรม

ได้รับความอนุเคราะห์จาก CC/Flickr/ริชาร์ด ฮาว

ชาวชิคาโกเรียกขานกันอย่างเสน่หาว่า "The Bean" เนื่องจากมีทรงรีโค้งงอคลาวด์เกตศูนย์กลางศิลปะสาธารณะของ Anish Kapoor สำหรับ Millennium Park ของ Second City นั้นเป็นทั้งงานศิลปะและสถาปัตยกรรม โดยจัดให้มีซุ้มโค้งที่พร้อมสำหรับ Instagram สำหรับผู้เดินเล่นในวันอาทิตย์และผู้เยี่ยมชมสวนสาธารณะรายอื่น ๆผลิตจากเหล็กกระจกคลาวด์เกตการสะท้อนแสงแบบสนุกสนานและสเกลขนาดใหญ่ของผลงานทำให้ Kapoor เป็นผลงานที่โด่งดังที่สุดของ Kapoor

เอื้อเฟื้อโดยศิลปินและ Greene Naftali จากนิวยอร์ก

งานของ Rachel Harrison ผสมผสานพิธีการที่สมบูรณ์แบบเข้ากับความสามารถพิเศษในการเติมแต่งองค์ประกอบที่ดูเหมือนเป็นนามธรรมด้วยความหมายที่หลากหลาย รวมถึงองค์ประกอบทางการเมืองด้วยเธอตั้งคำถามกับความยิ่งใหญ่และสิทธิพิเศษของผู้ชายที่เข้าคู่กับมันอย่างดุเดือดแฮร์ริสันสร้างผลงานประติมากรรมจำนวนมากของเธอโดยการเรียงซ้อนและจัดเรียงบล็อกหรือแผ่นโฟม ก่อนที่จะปูทับด้วยปูนซีเมนต์และลวดลายจิตรกรเชอร์รี่ที่อยู่ด้านบนเป็นวัตถุบางประเภทที่พบ ไม่ว่าจะอยู่เพียงลำพังหรือใช้ร่วมกับสิ่งอื่นตัวอย่างที่สำคัญคือหุ่นนี้อยู่บนยอดรูปร่างยาวและพ่นสีผลงานการสวมเสื้อคลุมและหน้ากากอับราฮัม ลินคอล์นหันหน้าไปทางด้านหลัง เป็นการถ่ายทอดทฤษฎีประวัติศาสตร์บุรุษผู้ยิ่งใหญ่พร้อมการรำลึกถึงผู้พิชิตโลกโบราณที่ยืนสูงบนก้อนหินสีตัวตลก